映画を観る Archive

ひさしぶりに《あ》と《くんくん》と一緒に観に行った。いちおう夏休みらしいこともせねばね。

ジブリの新人監督デビュー作といえば過去の例からみて一種の鬼門なのだが、今回の米林宏昌監督は、まずまず健闘していたというのがぼくの意見である。

正直にいって特別な新味があるわけではない。ないのではあるが、昨今の多くの子ども向け作品のように安易に「魔法」に頼ったりすることなく、とにかく実直に登場人物の心情を表現することに心を砕いていた。心情を描くうえでは、たとえば人物の表情やしぐさだけではなく、草花や雨や物音など、映画的なさまざまな表象の描き方を駆使する必要があるし、ショットとショットのつなぎ方にも、工夫が必要だ。こうした点にかんしては、どれも類型的な描き方であるとはいえ、まずまず成功していたといえる。

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太平洋戦争の末期、というより、日本のポツダム宣言受諾後も継続した日ソ戦の主戦場のひとつ、樺太のたたかい。8月15日をすぎてもソ連軍は南下をつづけた。樺太南部西海岸にあった真岡では、ソ連艦隊による艦砲射撃がくわえられ、さらにソ連軍が上陸し、町中が混乱に陥った。真岡郵便電信局で電話交換業務をおこなっていた女性（10代から20代）9名は逃げ場をなくし、捕虜となることを怖れ、ついには自決を余儀なくされた。その史実を題材に撮られた作品だ。1974年に完成しながら、当時のソ連の圧力によってお蔵入りになっていたという。

物語は、いってみれば「ひめゆりの塔」の北方版である。

沖縄戦を舞台にした「ひめゆりの塔」の史実は（善し悪しはともかく）戦後民主主義的な「反戦」の象徴としての物語と位置づけられ、くりかえし映画化されてきた。対照的に、おなじくうら若い「乙女」たちが無情にも戦火のなかでみずから命を絶たざるをえなかった真岡郵便電信局事件のほうは、必ずしもひろく知られてはこなかった。それを踏まえたうえで、もうひとつの「ひめゆりの塔」として受容されることを期待したつくりが、本作品には与えられている。

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「トイ・ストーリー」シリーズの最終回（？）の主題は、成長と別離だ。

子どもから大人になること。そこで不可避に生じる別離をめぐる葛藤。それを巣立つ側と見送る側とがそれぞれのやり方で受け容れ、乗り越えてゆくこと。成長と別離はアメリカの現代文学がくりかえし描いてきた主題であり、ハリウッドでも若者向け作品を中心にやはり同様に反復されてきた。この主題にピクサーがどう挑戦するかが、本作品の見どころである。

結論を喩えていえば、一勝一敗といったところか。まず一勝のほうから。

主人公の人形は、大学入学を控えるまでに成長した持主の少年と、いよいよ別離を覚悟しなければならない時期をむかえることになった、という設定から物語が始まる。わかれたくない、一緒にいたい、という気持ちと、しかしそこにはじぶんたちの居場所はないという現実とのあいだで、少年も、おもちゃたちも、それぞれが烈しく揺れ動く。おもちゃと子どもとは、もとより棲む世界が異なっている。おもちゃはいつまでもおもちゃであるが、子どもはやがて大人になる。両者の蜜月はいつか終わる。それをそれぞれの仕方で受け容れることが、つぎのステップへつながる。

その意味でこの作品は、ウィニー・ザ・プーの変奏、もしくはリベンジである。

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109分間、存分に味わうことができる。焼け跡を眺めているような気分を。

スクリーンを徘徊するのは、高度な映像技術ばかり。アリスの物語のwonderな部分をとことん陳腐に解釈し、よくある魔法世界の冒険活劇に矮小化しただけだ。アリスであることの必然性などどこにもない。派手なVFXとは裏腹に、設定も人物も物語も手垢まみれだ。

「実在」にたいするおどろくほどナイーヴな世界観が、この物語の脆弱な土台をなしている。アリスの「成長」とは、彼女にとってなんら必然性のみえない者を、正義の名の下に殺すことだ。その手の構図は、もうすっかり乗り越えられたのだとばかり思っていたのだけどねえ。剣を手にした瞬間に彼女の唇にうかぶ笑みは、もう立派な殺戮者のそれである。

アリスの「優秀さ」を示すものとして描かれるエピソードも、ナイーヴさの度合いにおいては負けていない。たんなる帝国主義の尖兵でしかないからだ。その彼女が次に搾取におもむこうとする先は、どこあろう中国である。

むしろ21世紀におけるウォルト・ディズニー・カンパニーの欲望がもっとも端的かつナイーヴに表現された作品というべきであろう。

２月は税金の季節。確定申告の終わった足で映画館へ向かった。2月半ばというのに、なんと年が明けて初めての映画館だ。観たのはクリント・イーストウッド監督の新作『インビクタス』。けっこうお客さんあり。

国民統合のためにスポーツ（このばあいはラグビー）とメディア（おもに新聞とテレビ中継）が最大限に活用される過程が描かれる。メディアイベント論の教科書のような作品である。

一般的な映画通的見方としては、イーストウッドの一連の作品と関連づけ、その政治的主張を深読みするかもしれない。対立、戦争の告発から、自己犠牲、そして異なる文化どうしの和解、そのために寛容な心をもつこと、などというように。スポーツはそのためのメディアである。スポーツは戦争と似ているが、違いもある。どれだけたたかっても、スポーツではふつう死者は出ない。SAAのジャンボ機のエピソードは、むろん9.11を連想させるわけだが、ここでも破滅をちらつかせつつ、そこへは足を踏み入れない分別をみせる。

演出はいつものように淡々とし、地に足ついて手堅い。しかし、一度どん底に落ちたチームに新しいコーチがやってきたあと、かれらがチームを立て直す過程がまったく描かれない。そのためモーガン・フリーマン演じるマンデラ大統領の万能感がやたらに際だってしまう。実際のマンデラは立派なひとなのだろうが、作品としては全体に英雄譚の色彩が濃く、やや白け気味ではある。英雄を演じるフリーマン自身は、もう気合い入りまくり。もともとフリーマンが持ち込んだ企画らしいから、むべなるかな。マット・デイモンも好演。

このお話は15年前に南アフリカでおこなわれたラグビーのワールドカップ大会での実話がベースになっているらしい。いうまでもなく今年はサッカーのワールドカップ・イヤー。同じ南アでひらかれる。当然それを意識した企画であろう。

それにつけても、この邦題はなんとかならないものか。

マッドハウス製作、りんたろう監督の新作。製作費15億というから日本映画としては大作だが、作品の柄としては小品である。

テレビ番組の劇場版でもう一儲けという企画だらけの日本のアニメーション映画界にあって、マッドハウスはときおりオリジナル企画をぶつけてくる（ただし作品の質はさまざま）。この姿勢はもっと評価されるべきである。

本作品はフルCGの意欲作だ。主人公はじめキャラクターのデザインがかわいらしく、設定などにも工夫が見られるが、全体としてはいまひとつ膨らんでいかないまま終わってしまう。前半は部分的にすばらしいシークエンスもあるとはいえ全体としては退屈であり、後半の活劇にいたってはかなり萎む。

なによりも問題なのは、主題と物語が凡庸であることだ。プロットが類型的でシンプルなのはかまわないが、それを厚くふくらませることができていない。

登場人物の動きぶりやカメラの動きは、いかにもCGがんばってますといった趣である。しかしそうした運動はただそれだけにとどまり、物語に絡むことはほとんどない。いたってまっとうな──逆にいえば意外性に乏しい──ピクサーのCG作品のショット構成とは異なり、ロングショットが多い。ちょっと人形アニメーションふうの味わいだ。それを活かす術があれば、なおよかったのだけれど。

エンディングはタイトルバックも音楽も工夫があって愉しい。前の座席にいた小学生くらいの姉妹が踊りだし、「アミーゴ！」と叫んだ。

ジェームズ・キャメロン監督12年ぶりの新作。全体に『ターミネーター1/2』のころに戻ったかのようなSFアクション仕立てである。鮮明な3Dかつ全篇CGつかいまくりであるうえ、物語も細部にまで神経がゆきわたっており、じつによくできた娯楽大作だ。2時間半以上の上映時間を十分に愉しむことができる。ただし、そうでありながらも、そこはキャメロン作品。思わせぶりでありながら底の浅さが見えてしまい、どこか釈然としない居心地わるさが残る。

その要因は主として、物語の背後に見え隠れする認識や考え方にある。

物語の構築については、定型的でシンプルなプロットに厚みのあるエピソード記述をかぶせるという正攻法的手法が採用されており、その点では見事である。

設定や主題は『風の谷のナウシカ』（映画版のほう）のキャメロン流解釈という感じだ。破壊し尽くされた地球から溢れでた人類と、かれらによって侵略されつつある惑星パンドラの原住民ナヴィ族とがあわせ鏡という関係にある。両者は今日のわたしたち人類の善良さと悪徳という二つの側面をあらわしている。前者が環境を破壊し他者を侵略してその持ち物を略奪するのにたいして、後者は一見原始的にみえながらそのじつ自然と調和一体化した理念的存在である。

そして、ともあれパンドラの中核は人類の侵略から防衛されることになり、もともとは人類の側の周縁的な立場にいながらナヴィの側に立つことになった主人公のアバターが、最終的にナヴィそのものへと転生してゆく。これは、人類の再生というモティーフだと指摘することもでき、その意味ではいちおう文明批評を匂わせつつも肯定的なニュアンスをともないながら物語を収めようとしていると理解できるだろう。

さて、本作品が根本において孕む限界とは、こうした現代の神話ともいえるような主題を提示してみせる態度が、けっきょくはただの格好つけでしかないことにある。キャメロンがこの主題について、さほど真剣に考えているわけではないとうけとらざるをえない箇所が散見されてしまうのである。

プロット上の主軸は、主人公たちの達成感が、そのままパンドラを守り通した安堵感へ横滑りさせるところにある。しかしそれは詐術だ。かれらが排撃したのは、たんに出先の一部隊でしかない。かれらの「活躍」が人類の側に何かを気づかせたような形跡もない。つまり事態はなんら根本的な解決を見ていないのだ。ということは、人類にとってパンドラは略奪されるのを待っている宝物殿であるという認識に変更はなく、かれらが万端の準備を整えたうえで再攻略に到来する日はそう遠くはないだろう。近代的な武力においてナヴィは人類に対抗できない以上、パンドラの破滅はたんに先送りされただけにすぎない。こうした設定は、あるいは続編製作を見込んでのものかと勘ぐりたくもなる。

細かい設定や描写のレベルでも同様だ。人類のあり方の理想像を投影されているナヴィの主要人物は、あらかじめ英語を解する（いちおうそれを妥当化するための状況説明がなされはする）。ナヴィの自然との一体化という「理想」のイメージも底が知れている。動物やら植物やらといった環境は、けっきょくは人間（ナヴィとは理念的な人間である）の能力をより強力に拡張するための諸資源としてしかとらえられず、その能力を徹底的に動員され、人間の思いどおりに操られる道具として描かれている。

自己の文化に都合のよい形でしか他者を想像・表象できない。にもかかわらず、これを押し隠して恰好をつける。これがキャメロン的なものの限界である。キャメロンだけに固有の問題ではあるまい。

アニメーション映画史上の傑作とされるフライシャー兄弟の作品である。今回はニュープリントで劇場公開とのことだが、ぼくが観るのは初めてだ。場所は最近ヒューマントラストシネマと名を変えた映画館、観客は7人だった。

まだ長編アニメーション映画がめずらしかった時代（1941年公開）の作品だ。全篇で徹底して線を動かすことに全身を集中させている（日本の「アニメ」の大半は（全部ではない）、もうこのことを忘れてしまっている）。虫たちのわらわらと蠢くさまや、ナイトクラブで何度もダンスを踊る場面、とりわけ感電のシークエンスなどにそれが顕著にあらわれている。ちなみにある時代までのアメリカのアニメーションにミュージカルやスラップスティックの場面が付きものなのは、映画の機械性という問題に直接かかわっていると、ぼくは考えている。

動きの積み重ねとともに、物語上のエピソードは、そのひとつひとつが厚くていねいに描かれる。その一方で、プロットはいたってシンプルだ。いまも昔も、こうした戦略がアメリカのアニメーション映画の伝統として、広い観客に訴える娯楽作品の要諦であることを示している。もっともこの作品の評価が定まるのは後年のことで、初公開時の1941年12月には観客の入りが悪く打ち切りとなっている。

物語は、題名に暗示されているようにフランク・キャプラ的なニュアンスが込められていると理解することができる。工業化された資本主義社会を批判しつつ、しかし文明それ自体と人間性の可能性に無条件の信頼をおいているのだ。たとえばこの物語は郵便制度というシステムの十全な機能を前提にしているが、それを具体的に担保しているのは実際に登場する郵便配達夫が内面化し実践する職業倫理である。

したがって、物語の終盤において天空めざして登ってゆく虫たちのふるまいには明らかに肯定的な色が与えられており、ハッピーエンディングを志向してつくられていると考えてよい。ところが、21世紀の観客の目には、これがえらくアイロニカルに映る。かれらがたどり着いた地点がかれらにとって楽園であるようにはとうていおもわれない。そしてかれらもまた、かれらをそこへ追いやることになった人間や文明の暴力性をいつしか発揮しうる立場になりうることを含意しているかのように読めてしまうのである。

その意味で、たんに「傑作」というラベルを押して理解した気になっていれば済むような作品ではなく、今日的な観点からもより深く考えさせられる奥行きをもった作品だというべきであろう。

ホーギー・カーマイケルとリー・ハーラインの音楽が抜群によい。

今回の公開をしかけたのはスタジオジブリである。ここは宮崎作品や関連キャラクター商品などで稼ぐ一方で、アニメーション映画の歴史的名作の上映・普及に力を入れているようだ。パンフレットのつくりも、贅沢なものではないが、的を射たつくりであり、しゃれている。

なおパンフレットその他の資料では原題 Mr. Bug Goes to Town とされているのだが、今回ぼくが観たかぎり、本編のタイトルバックでは、主人公の名前をそのまま採って Hoppity Goes to Town と記載されていた、ような気がする。

マイケル・ムーア監督が資本主義の本丸に乗り込む！ というような勇ましいコピーに「踊らされ」日比谷まで足を運んだ。観客の多くは中高年男性であった。だがぼくとしては、とりあえず大学生こそぜひ鑑賞したほうがいいようにおもう。かれらがこの先剥きだしでさらされつつ生き延びてゆかねばならない社会とは、つまりはこういう社会なのだから。

「本丸」というのは米国のグリードたち、つまりウォール街を牛耳る大手のグローバル金融機関である。強欲に強欲を重ねるかれらは、市井の、相対的に立場の弱いひとたちを徹底的に絞りあげ、当事者にも仕組みが説明できないほどすばらしくややこしい金融商品を開発してはリスクを先送りにし、本来は社会的に分配されるはずの富を独占してゆく。じぶんのカネだけでなく、ひとのカネをも愛そうとしている。それが資本主義暴走の源だ、という明快な主張が貫かれる。

その論拠としてさまざまな実例が示される。銀行に担保としてさしだしたため自宅を出なければならないひと。武装した保安官が明け渡しの執行にやって来る。玄関をあけなければ斧で叩きあけられ、戸外へ出るよう促される。ある日突然解雇を申しわたされるホームセンターの社員たちの姿も映される。かれらは相応の補償を求めて店に立てこもり始める。パイロットの年収が1-2万ドルにすぎないという事実にもおどろかされる。もともと周縁的な立場の者がさらに追いやられているだけでなく、中間層がやせ細っているのだ。じつは、すべてを独占する富裕層は米国社会全体の1%でしかないという。かれらは自身のことを21世紀社会に生まれた新貴族と見なしたがってさえいるという。

では搾取されつづける99%のひとびとは、1%の富の独占者たちに、なぜ不満をぶつけないのか。それは、努力を続けてさえいればいつかその1%の仲間に入れるかもしれないという淡い期待があるからだという考えが示される。いわゆる「アメリカン・ドリーム」というやつだ。もちろんそのようなことは事実上ありえない空手形にすぎない。1%は誰にでも開かれているという建前になっているが、機会の平等が保証されているわけではないからだ。だからアメリカン・ドリームは、99%にとってドリームであると同時に、そこに到達できなかった者として無能の烙印を押す閻魔大王のようなものである。アメリカン・ドリームなどただの夢幻でしかない。だから、新貴族がもっとも怖れているのは、民主主義の発動である。99%だろうが1%だろうが、そこでは同じ1票を行使する権利を有しているのだから。

作品は例によってムーア監督自身のナレーションに沿って展開してゆく。あたかもムーア自身の調査や思考の過程を一緒に追体験しているかのような気持ちにさせられる。ムーアの主張は明快でそれが隠されることもない。こうしたスタンスは、ムーア作品に共通するものであり、作品にわかりやすさを与えることに貢献している。と同時に、物事をともすれば実体以上に簡単な構図に落とし込むという面があることも否定できない。

たとえば、ムーアが提示するオルタナティヴだ。それは穏健な資本主義の実現であり、それを基盤とした市民社会である。その考え方は、作品中にも予防線が張られているように、それは米国社会がほとんど反射的に嫌悪する社会主義に近い。度をこした資本主義は、けっきょくすべてを荒廃させる。たしかにそのとおりだ。

だが歴史が教えていることは、にもかかわらず、資本主義は過熱し暴走し、社会と多くの人生を暴力的に傷つけることをくりかえしてきたという事実である。資本主義の歴史とはバブルへいたる過程とその崩壊の反復だ。その波のなかでわたしたちは性懲りもなく、振り落とされてはまた踊ることをくりかえしている。

その原因は、わたしたちがたんに歴史から学ぶ謙虚さを忘れがちであることだけにあるのだろうか。ちがう。それは資本主義のメカニズムそのものに根ざしてもいる。資本主義の原動力は「欲望」だ。欲望が欲望を生むしかけはそれ自体が過熱すれば異常とよばざるをえないが、しかし欲望をもつこと自体をただちに不健全だと断罪はできまい。ムーアは、欲望に取り憑かれた「本丸」を糾弾し、その欲望を一定程度抑圧せよという。それは妥当な理念であろうが、しかしはたしてその先に具体的な方図が見出せるのか。

むしろこの作品の美徳とよべるのは、こうした話題をNHKやBBCのつくる番組のようにしたり顔で語ってみせるのではなく、とことん娯楽として愉しめる形に仕上がっている点であろう。それは、ラストのシークエンスに顕在するような批判性に裏打ちされたユーモアの感覚や、ムーア自身がその巨体を揺すらせて実際にアタックしてみせるその「運動」の確からしさによって支えられている。

煎じ詰めれば、冒頭の約10分間がすべて、という作品である。

この短い時間で、主人公カールじいさんの75歳にいたる人生を一気に回顧する。むろん漠然とではなく、本作品の主題に即して。この間の台詞はきわめて限定的であり、原則としてアニメーションだけで描ききる。その手際のよさだけでも観るに値する作品である。毎回いうのだが、かれらが映画とアニメーションをどれほど勉強しているかを端的に示しているからだ。

けれども、そこに続いて展開される物語の本体のほうには、特段すぐれた点を見出すことはむずかしい。はっきりいえば凡庸の域を出ない。もちろんそこは安心のルクソー印。夢とスリルと冒険の詰まった成長譚として、多少の破綻はみられるものの、いつもながら、ていねいにつくられている。

成長譚として興味深いのは、成長するのがひとりではない点である。それは空飛ぶ家に「味方」としてかかわったすべての関係者がそうであり、当然75歳のカールじいさんも含まれていることである。すでに長い人生経験をもつ人物が成長するという意味では、『クリスマス・キャロル』的だともいえなくもない。いずれにせよ、ここに登場する人物や動物は、何らかの欠落をかかえて社会的に周縁に追いやられたひとびとであって、そうしたところに焦点をあわせる視点が児童文学の常道であることも想起されてよいだろう。ピクサーはその伝統とメソッドをきっちり踏襲している。それが手堅い物語構築をもたらす土台になっている。今回は手堅すぎたというか、もうひとつアイディアが足りなかったようにおもわれる。

とはいえ全体は活劇仕立てとしてしっかりつくられているから、誰でも安心して手に汗にぎって鑑賞していられるだろう。巨大飛行船や、無数の風船をくくりつけて雲間を飛んでゆく家のイメージに、ラピュタやハウルの影を読み込むことも、そうしたければ、いくらでも可能だ。

ぼくが観たのはピクサー初という3Dの字幕版。昔の立体映画やら以前に存在したディズニーランドのアトラクションと同様、受付時にわたされる『サンダーバード』のブレインズみたいなゴツいフレームの専用眼鏡をかけて観る。ぼくのようにふだんから眼鏡をかけている人間にとって、二重に眼鏡をかけなければならないのは、けっこう難儀である。3D代として300円が上乗せ徴収されるが、出費に見あう効果が得られるかどうかは微妙といわねばなるまい。

本編上映前に短編が併映される。いつもながらサイレント仕立ての小品で、物語としてもよくできている。